31 enero 2012

CÓMO LA FOTOGRAFÍA HA ARRUINADO LA VIDA DE MILLONES DE MUJERES Txema Rodríguez

CÓMO LA FOTOGRAFÍA HA ARRUINADO LA VIDA DE MILLONES DE MUJERES
Txema Rodríguez

Un resumen rápido nos muestra en las revistas de moda (digamos femeninas) a un grupo de mujeres aparentemente muertas en manos de fotógrafos que, salvo contadas excepciones, son hombres, fetichistas, gays o narcisistas. Y puede que sean varias de esas cosas a la vez. Gente que construye la imagen del otro sexo sin observarlo a partir de parámetros ajenos al sujeto, que hablan de una supuesta perfección que esconde los abominables matices que Hans Bellmer denunció como pretensión absurda de los nazis respecto de sus muchachas. Mujeres rotas, fragmentadas, pornográficas, simples ampliaciones de los penes: Aparecen en escenarios en los que son asesinadas, violadas y esclavizadas para, en una extraña vuelta de tuerca, ser transformadas en objeto de deseo para sí mismas gracias al boyante negocio de la cirugía estética y todas sus ramificaciones.

¿Cómo hemos llegado a este punto grotesco?. Tal vez sea cierta (creo que lo es) la idea de John Berger respecto a la publicidad como sustituto de la democracia, la elección de lo que uno come (o viste, o conduce) ocupa el lugar de la elección política significativa. La publicidad ayuda a enmascarar todos los aspectos antidemocráticos de la sociedad. Y enmascara también lo que está ocurriendo en el resto del mundo. La misoginia, por ejemplo. Porque estamos hablando de eso, del control de las mujeres (en especial cuando se hace en nombre de su liberación) mediante el control de su aspecto. Las muñecas perfectas, inertes, higiénicas, reutilizables, fragmentadas y estúpidas que nos venden las revistas etiquetadas como productos de “glamour” no están muy lejos de las chochonas que el Fuhrer parece ser que intentó producir en Dresde para proteger a sus tropas de las enfermedades venéreas. Vivimos en la época de la vagina industrial, rodeada de una cuidada anatomía que ha de ser medida con precisión irreal ahora que ya no existe, al menos en nuestra sociedad, el himen como mecanismo de control. Bien, ahora pueden no ser vírgenes pero han de admirar una fotografía y tratar desesperadamente de asemejarse a ella. Y no solo en el terreno de la belleza, sino en basuras como The Pin-Up House Wife by Sarah Church & Matthew G Hollis que es un, en cualquier caso, un mero ejemplo de lo que en el mundo de las publicaciones destinadasa la mujer se llama producción. La búsqueda de un escenario sobre el que incluir a una hembra muñeca en posturas variadas con el obejto de venderle una camiseta o un lápiz de labios. Y se pegan por hacerlo, lo vemos a diario en cualquier comercio del ramo.

La fotografía actual nos muestra a la mujer desvirtuada, transformada en un aparato de fantaseo, no como una contemplación (la belleza se encuentra y admira, no se construye o crea, porque sucede espontáneamente a través de quien la descubre y la muestra a otros). Ahora la fotografía de lo femenino es parafílica. A este respecto son notables los arriesgados trabajos de la fotógrafa Cindy Sherman y también los de Tracey Emin. Aunque hay algo sobre lo que reflexionar en ambos casos en comparación con otros dos muy conocidos. Sherman y Emin han caído en la trampa de la deconstrucción y el simbolismo de la que milagrosamente se salvaron Francesca Woodman y Ana Mendieta. Aunque lo hiceran por medio del suicido, y eso es un síntoma sobre el que millones de mujeres habrían de reflexionar si no fueran prisioneras de su aspecto.

El crítico Hal Foster explica que una buena porción del arte contemporáneo (y la fotografía lo es) presenta la realidad como un trauma, como una indigestión del retorno a lo real que agrupa a artistas como la citada Cindy Sherman, Kiki Smith, Andres Serrano, Robert Gober, Paul McCarthy o Mike Kelley, bajo la idea de un «realismo traumático» que opera «desde lo real entendido como efecto de la representación a lo real como un evento del trauma». O, dicho de otra manera, los elementos que se manejan no son la mirada, sino el deseo, el dinero que de ello se puede sacar y la manipulación de las percepciones para conseguirlo. Los malos fotógrafos crean escenarios con mujeres dentro, que son objetos del escenario (con un fin). Los buenos fotógrafos encuentran la belleza en lo que miran, intiman con las personas (no sólo mujeres) que fotografían y revelan esa belleza (u horror) para conciencia y autodescubrimiento del espectador que se ve reflejado por ellos, o identificado con ellos por afinidad u oposición/contraste.

En la buena fotografía se llega a un punto en el que lo que ves es algo de lo que no puedes hablar. Que te toma y te conmueve. Podemos utilizar como ejemplo este retrato de Greta Garbo realizado por Edward Steichen (en realidad nos serviría cualquiera de sus fotos). En la mala todo es obvio hasta la obscenidad, como en el porno. Mientras una resulta envolvente, sugerente y erótica la otra no requiere pensamiento, es una simple paja con corrida que incapacita para reconocer la verdadera belleza cuando se muestra ante nuestros ojos. Resulta algo terrible, porque la misoginia de las imágenes femeninas se transforma en pederastia y pedofilia: Llega el momento en que el ojo no es capaz de distinguir las maravillosas imágenes de Sally Mann del material destinado al consumo por parte de degenerados.

Eso, extrapolado, tiene el mismo efecto en otro tipo de fotos (moda/reportaje de guerra) No se distingue al tarado mental de Guy Bourdin de Robert Capa, o a Bellmer y Helmut Newton de los psicópatas que llenan de basura fotográfica las revistas en una labor implacabe de degradación no solo de la mujer sino de lo no masculino (cualquier opción de identidad sexual que no lo parezca)

La fotografía de moda puede ser sublime, dejarte sin palabras. Aunque es cierto que eso ya no se lleva. Ahora, en el próximo escalón hacia la nada, triunfan los artistas de la modificación y los chapuzas del bisturí

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Artesanía Lark busca imágenes para publicar en una colección de teteras de cerámica con jurado

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27 enero 2012

I° Simposio Latinoamericano de Escultura en Lanús "Por la Memoria, la Verdad y la Justicia", incluye la convocatoria para Estudiantes de escultura

I° Simposio Latinoamericano de Escultura en Lanús "Por la Memoria, la Verdad y la Justicia", incluye la convocatoria para Estudiantes de escultura.

Simposio de Escultura Lanús

Convocatoria

Un sofisticado robot "viaja" al interior del Guernica de Picasso




El mural Guernica , que Pablo Picasso pintó en 1937 y es una de las obras emblemáticas del arte del siglo XX, está siendo investigado exhaustivamente por un robot construido especialmente para estudiar el estado del lienzo y que determinará o no la posibilidad de una futura restauración.

Jorge García Gómez-Tejedor, jefe del departamento de restauración del Museo Reina Sofía explicó, al diario español El País, que "con esta nueva máquina se conseguirá el estudio más exhaustivo realizado hasta la fecha". Añadió que el resultado "permitirá conocer el estado de las diferentes capas, la superficie y los aspectos totalmente desconocidos de la gestación, los materiales y las técnicas" utilizadas por el genial pintor malagueño.

El robot fue instalado en un soporte que permite el desplazamiento ( travelling ) de una cámara en forma automática de nueve metros de largo por 3,5 de alto, que se mueve delante del cuadro con una precisión de 25 micras (una micra es equivalente a la millonésima parte de un metro) y que capta millones de imágenes en una resolución muy alta, que permitirá conocer datos hasta ahora desconocidos.

Las imágenes, según informó el diario español, se obtendrán gracias a los avances tecnológicos más sofisticados, como el infrarrojo multiespectral, la luz ultravioleta y el escaneado en 3D.

Según el director del museo, Manuel Borja-Villel, la última radiografía del cuadro se realizó en 1998 y se determinó que la obra se encontraba en un estado muy delicado y que no podía ser movida.

"Desde entonces -agregó-, la técnica ha evolucionado muchísimo. Se han hecho nuevas placas y estudios, pero será el robot el que nos permita conocer el estado exacto del cuadro y qué hacer con él."

La obra, de 3,50 por 7,80 metros, fue pintada a mediados de 1937 y representa el bombardeo de la pequeña ciudad de Guernica, ocurrido el 26 de abril de ese año, durante la Guerra Civil Española. Tras la llegada al poder del dictador Francisco Franco, Picasso prefirió que el cuadro quedara bajo la custodia del Museo de Arte Moderno de Nueva York y que sólo regresara a España cuando se instalase la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España.

Borja-Villel salió además al cruce del director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, que en declaraciones recientes reiteró su deseo de que el Guernica se exhiba en esa institución. "No hay caso. La obra es una pieza fundamental para este museo. No se la puede extraer del contexto de los años 30. Nuestra gran exposición del verano, que presentaremos en junio, gira en torno alGuernica y al Pabellón de la República de 1937", dijo Borja-Villel, para añadir, con un toque de humor, que a él también le pueden gustar piezas del Hermitage, pero que no por eso va a pedírselas a Vladimir Putin.

Cuando el robot concluya su trabajo con el mural, pasará a formar parte de las herramientas de restauración del museo y será utilizado con otras obras que requieran estudios similares.

Pero la obra de Picasso no es la única que acapara la atención de investigadores y restauradores. La organización holandesa para la investigación científica (NWO, por sus siglas en neerlandés) invertirá 3,6 millones de euros (4 millones de dólares) para develar los secretos de los grandes maestros holandeses, entre ellos, Rembrandt y Vincent van Gogh.

Según informó el periódico Trouw en su edición digital y la página web de la NWO, científicos, museos y expertos en restauración y conservación de todo el mundo investigarán las obras de ambos maestros.

El objetivo del plan inversor de la NWO es "recuperar y restaurar lienzos, grabados, litografías o dibujos que en estos momentos están archivados y no pueden ser expuestos al público por su débil estado de conservación", además de buscar toda la información posible sobre las técnicas utilizadas por estos artistas.

Entre los ejes del plan, se utilizará un nuevo método para analizar las pinturas de Rembrandt, que, según los expertos de la NWO, guardan muchos secretos ocultos todavía por dar a conocer. Además, se trabajará usando modelos escaneados digitalmente para recuperar el brillo que exhibían antaño los cuadros de Van Gogh (1853-1890).

Constitución En Vivo.............................

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Arte vip en el Palacio Beltran

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Seminario de Cristal de Murano.

Seminario de Cristal de Murano.

26 enero 2012

V Salón de Arte Sacro

V Salón de Arte Sacro



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SALON "CARNAVALES DE AYER Y DE HOY"


SALON "CARNAVALES DE AYER Y DE HOY"

Todas las disciplinas:Pintura, Dibujo, Escultura, Fotografía, Vidrio, Mosaico, Máscaras e indumentarias, Instalaciones, Etc.
Las medidas de las obras son libres.

RECEPCION DE OBRA: del Sábado 4 al Sábado 11 de Febrero 2012 ( L a V de 11 a 19 hs- Sab de 10 a 16 hs)
INAUGURACION: Viernes 17 de Febrero a las !9 hs.
CLAUSURA: Viernes 2 de Marzo

INFORMACION: Florida 971 - Loc 9
Te: 4314-7311
ó al email: artistasartesanoscontemporaneos@hotmail.com

BIENAL REGIONAL DE ARTE DE BAHÍA BLANCA 2012

BIENAL REGIONAL DE ARTE DE BAHÍA BLANCA 2012

Bases : MBA/MAC Bahía Blanca

REGLAMENTO

Art. 1. El Museo de Arte Contemporáneo y Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca organizan la “Bienal Regional de Arte 2012”, que se inaugurará el día 11 de abril a las 20.00 hs.

Art. 2.Podrán concursar los artistas con dos años de residencia en las provincias de: Buenos Aires, La Pampa, Río Negro, Neuquén, Chubut, Santa Cruz y Tierra del Fuego.

Art. 3. Todas las expresiones visuales, cualquiera sea su técnica, procedimiento y temática, serán recibidas para su selección siempre que se ajusten a lo que determina el Art. 7.

RECEPCIÓN
Art. 4.-Los artistas participantes podrán enviar el material por correo electrónico a la siguiente dirección mbamacbienal@gmail.com, en un archivo con formato PDF que contenga los siguientes datos: Ficha de inscripción (que podrán bajar del Blog de la Bienal 2012 mbamacbienal.blogspot.com y las imágenes de hasta dos obras por artista, este archivo no deberá superar los 3 Mb de tamaño.
El envío deberá realizarse antes del 06 de marzo de 2012 a las 17.30 hs.

Art. 5.Es condición ineludible consignar los datos completos conjuntamente con las fotografías digitales.

Art. 6.. El jurado realizará una preselección de las obras a través de las fotografías, tras lo cual, los artistas serán contactados telefónicamente el 12 de marzo; los preseleccionados deberán hacer llegar sus obras al Museo de Arte Contemporáneo antes del 28 de marzo a las 17.30 hs. Con las obras presentes en el museo el jurado hará la selección final y otorgará los premios y las menciones correspondientes.

Art. 7. No serán admitidas las siguientes obras:

a. Las que no tengan identificación.
b. Las de artistas fallecidos.
c. Las obras que superen 2 metros de lado y una superficie de 2.5 m2.
d. Las de arte electrónico (video, animaciones, multimedia, etc.).

Art. 8.Los gastos de envío y devolución de las obras corren por cuenta de los autores.

Art. 9. El Museo velará por la buena conservación de las obras, pero no se hace responsable por eventuales deterioros, destrucción o pérdida.

Art. 10.Clausurada la Bienal, las obras deberán ser retiradas dentro de los 30 días posteriores. Vencido este plazo, el Museo dispondrá libremente de su destino.

Art. 11.Para una óptima devolución de las obras, el artista deberá especificar cual es el transporte elegido y número telefónico del mismo. Deberán constar estos datos en la ficha de inscripción de la Bienal Regional 2012 .

JURADO

Art. 12. El jurado de selección y premios estará constituido por Tamara Stuby, Daniel Joglar, Federico Baeza. En caso de ausencia de uno de los miembros del jurado, la Dirección del Museo designará jurados sustitutos.

Art. 13.El voto del jurado es obligatorio, Las resoluciones del jurado son inapelables. Las mismas constarán en el Acta que será firmada por todos los miembros del jurado. Su publicidad se hará a través del Museo de Arte Contemporáneo.

Art. 14. El jurado deberá reunirse en su totalidad.

PREMIOS

Art. 15. Se establecen dos premios adquisición de $ 8.000, cada uno, otorgados por el Honorable Concejo Deliberante de Bahía Blanca y la Municipalidad de Bahía Blanca. El jurado podrá otorgar las menciones de honor que considere pertinentes.

Art. 16. El solo hecho de presentarse en esta Bienal, implica la aceptación del presente reglamento por parte de los artistas concursantes.

Art. 17.Todo caso no previsto en los artículos que anteceden, será resuelto por la Dirección de los Museos

Inscripción:
Los artistas deberán completar la ficha de inscripción y enviarla al email mbamacbienal@gmail.com
junto con el PDF de las obras participantes que podrán bajar del blog de la bienal Regional 2012mbamacbienal.blogspot.com hasta el 6 de marzo de 2012 a las 20.00 hs.

Recepción de obras preseleccionadas: del 12 de marzo al 28 de marzo de 2012

Inauguración
"Bienal Regional de Arte 2012" el 11 de abril de 2012 a las 20.00 hs.

Descargá y completá la ficha de inscripción : FICHA
y enviala a : mbamacbienal@gmail.com

TALLER de GUIÓN CINEMATOGRÁFICO. Escribir en imágenes




    • Descripción
  • TALLER de GUIÓN CINEMATOGRÁFICO. Escribir en imágenes TALLER de GUIÓN CINEMATOGRÁFICO. Escribir en imágenes
  • (VER DESCRIPCIÓN Y DATOS DE CONTACTO MÁS ABAJO)
  • --------------------------------
  • 8 encuentros

  • Este taller está dirigido a quienes deseen realizar un primer acercamiento a la escritura cinematográfica. ¿Qué relación hay entre la palabra y la imagen? ¿Cómo pasar de una a otra? El objetivo es intentar responder este interrogante mediante una labor de análisis de diversos films, así como mediante los ejercicios escritos de los propios alumnos.

  • Para ello, estudiaremos algunos de los aspectos clave del guión cinematográfico desde un punto de vista teórico. Se proyectarán fragmentos de películas, a modo de ejemplo de cada tema, y se realizarán diversos trabajos prácticos con foco en el hacer creativo de los asistentes.

  • * Para asistir a este taller no son necesarios conocimientos previos.

  • PEDÍ + INFO: info@espaciodospuntos.com.ar
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  • Puede ser también de tu interés:
  • TALLER de CINE. Cómo analizar una película.
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  • espacio: dospuntos
  • Tel. (54 11) 4813-0613
  • Dir. Uruguay 1223, Depto. 4 - Ciudad de Buenos Aires
  • Mail: info@espaciodospuntos.com.ar
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  • Programación y Novedades: espaciodospuntos.wordpress.com
  • Facebook: http://www.facebook.com/groups/45897593029/

24 enero 2012

Artes visuales por la memoria

Artes visuales por la memoria

Artes visuales por la memoria

Hasta el 16 de abril está abierta la convocatoria para que presentes tu trabajo en artes visuales en el IV Premio Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti. Invita la Secretaría de Derechos Humanos de la Nación, por intermedio del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (CCMHC), y con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes (FNA). ¡Presentate!

El concurso intenta promover la producción poética y la reflexión crítica en el campo de las artes visuales contemporáneas sobre el complejo entramado de la defensa y promoción de los derechos humanos, de la memoria activa y de la construcción colectiva de ciudadanía solidaria.

Abierto a todas las disciplinas, se premiará a una obra o proyecto de intervención o instalación que pudiera tener carácter permanente para ser construido y/o instalado en el hall de acceso principal al Centro Cultural.

Para participar, sólo tenés que ser mayor de 18 años. Hay 20 mil pesos en premios y menciones honoríficas.

Para conocer las bases y condiciones del concurso, ingresá en el sitio del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti.

Ciclo de fotografía | Primer encuentro: Clínica de producción fotográfica creativa

Ciclo de fotografía | Primer encuentro: Clínica de producción fotográfica creativa


En el marco de Encuentros de Diálogo con Artistas se presenta un Ciclo de fotografía coordinado por Tulio Pidone. Serán dos seminarios en enero y febrero: el primero se trata de una Clínica de producción fotográfica creativa y se realizará el sábado 28 de enero de 19 a 23; y el segundo es un Seminario de Fotografía Japonesa que tendrá lugar el sábado 11 de febrero, ambos en Casa Bruzzone.

Clínica de producción fotográfica creativa

a cargo de Tulio Pidone

sábado 28 de enero - 19 hs

Costo: 100.- (incluye tentempié)

El Seminario propone ampliar la comprensión del trabajo fotográfico realizado, aportar mediante la lectura de otros colegas sobre el trabajo personal y brindar nuevas herramientas e ideas para continuar realizando una obra fotográfica conscientemente y con nuevos alcances.

Consta un encuentro donde varios fotógrafos exponen su obra ante un coordinador y el resto de los seminaristas en un tiempo determinado. Al finalizar, el coordinador hace una devolución de lo presentado y modera un debate entre los presentes. Todos participan. Se exponen fotografías copiadas, impresas o proyectadas.

Destinatarios: Fotógrafos en general (profesionales, artistas, estudiantes) con obra realizada.

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Tulio nació y vivió la mayor parte de su vida en Mar del Plata. Con 24 años se recibió de fotógrafo profesional en la Escuela de Artes Visuales Martín A. Malharro en el 2006. Paralelamente siguió con otros estudios; música, cine, artes plásticas. Hizo pasantías en fotografía de estudio, trabajo para revistas locales, curso seminarios sobre obra fotográfica y fotoperiodismo. Desde el 2007 trabaja como fotógrafo freelance, publicó imágenes en diferentes medios gráficos de la ciudad y el país. A partir del 2010 coordina talleres y cursos de fotografía en diferentes espacios culturales.

www.tuliopidone.blogspot.com/ | www.flickr.com/dantesalvador

23 enero 2012

Antonio Pujia dará un seminario de modelado en cera

Descripció
Durante los cuatro Sábados de Abril el Maestro Antonio Pujia dictara un seminario de modelado en cera y su aplicación a la fundición de metales.
El seminario tendrá una duración de 4 clases de 4 horas cada una (15 a 19 Hs) y una capacidad máxima de 20 alumnos. Será dictado
en su totalidad por Antonio Pujia en su atelier en Floresta, Ciudad de Buenos Aires.
Para información e inscripción por favor comunicarse telefónicamente al 4671-8769 de Lunes a Sábados de 10 a 14 Hs.
Para obtener solamente información (no inscripción) escribir a info@antoniopujia.comBreve descripción del seminario:DURACIÓN: 4 clases de 4 horas cada una, con un intermedio corto de descanso, los sábados de l5 a l9 horas con total puntualidad.Una recomendación muy importante para su total aprovechamiento, es que cada alumno realice durante la semana, en su casa o taller, los ejercicios de lo aprendido, para que esas pruebas sean evaluadas individualmente el sábado siguiente, al comienzo de la clase.El curso se centra, en la milenaria técnica del uso de la cera de
abejas en la escultura y la diversidad de su utilización, tanto como materia prima, como su aplicación a la famosa "fundición a la cera perdida", técnica esta, llevada a cabo por los fundidores, tanto de gran tamaño, como en joyería para las pequeñas piezas.
La practica y teoría de su elaboración directa por moldeado incluyendo el color, en la mezcla (policromía).
Demostración teórico-practica de alguna pieza ya fundida en el
tratamiento de su superficie terminando con la presentación de la
diversidad de patinas.


para mas info pinchen aca.

19 enero 2012

Kino Palais Presenta

Kino Palais, con el apoyo del Centro Cultural Coreano, presenta un ciclo de films contemporáneos de autores coreanos. Un compendio de imágenes de la actualidad, a través de la lente de realizadores de renombre internacional con puntos de vista y métodos variados. Una gran oportunidad para descubrir o reencontrarse con un cine pujante y necesario, que desde múltiples ángulos marca el presente y anuncia el futuro del lenguaje


Abarcando desde el documental periférico al cine de autor, desde el video de creación al cine experimental, Kino Palais es una ventana abierta al espectador activo.

el viernes, sábado y domingo se exhibirán películas coreanas contemporáneas gratuitamente.

para ver sus títulos, sinopsis y horarios de proyección pincha acá.



Emilio Villafañe y 13 Fotógrafos.


La Subsecretaría de Cultura y Educación tiene el agrado de informar que el viernes 20 de enero, a las 19:30, en la Sala Municipal de Exposiciones se realizará la inauguración de la Muestra de Emilio Villafañe y trece fotógrafos argentinos
Emilio Villafañe es docente del taller municipal de cerámica y artista distinguido con el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Visuales y comparte con nosotros su exquisita y particular obra acompañado por un grupo de jóvenes reconocidos y talentosos fotógrafos argentinos que componen una muestra inédita en la ciudad de Pinamar.

"Cada una de estas piezas fotográficas –de naturaleza heterogénea– propone una x en la ecuación visual: son los visitantes quienes tendrán el desafío interpretar la muestra, según su percepción subjetiva. Los trabajos dialogan entre sí, conviven, se articulan y dan un resultado positivo.
Entre corchetes, dicen: [Algo se entrelaza por debajo de cada una de estas fotografías. Como venas o raíces que se nutren de lo mismo, se abrazan, forman nudos, se contemplan en silencio. Las imágenes emergen como frutos de un proceso, como un diálogo silencioso que se desliza de una mirada a otra. Somos 13 fotógrafos que observamos cosas distintas desde el lugar más honesto posible].
Firman estas palabras los fotógrafos Martín Estol, Verónica Bellono, Tali Elbert, Juan Martín García, Beatriz Cabot, Inés Tanoira, Verónica Victoria Mastrosimone, Silvia Gabarrot, Vale Sestua, Franco Verdoia, Graciela Calabrese, Esteban Widnicky y Lisandro Pérez Aznar."

17 enero 2012

trabajos de investigacion 2011

Investigaciones del año pasado... formulaciones de esmaltes y variantes gracias al suministro de opacificantes y colorantes...
pinchen en cada link para ver las formulas y resultados... espero que le sea de su agrado...



Pastas Coloreadas.

Coloreadas con Oxidos Cromoforos.
Coloreadas con Pigmentos o Calcinas.

para conocer las formulas de estas pastas pincha acá trabajo de Pastas Coloreadas

Dioses, Mitos y Oficios del Mexico Prehispanico.

ADMISIÓN LIBRE PARA ESTUDIANTES Y DOCENTES A LA EXHIBICIÓN DIOSES, RITOS Y OFICIOS DEL MÉXICO PREHISPÁNICO .

TODOS LOS MARTES DE 11 A 19 HS.

PARA MAS INFORMACION PINCHAR EN EL SIGUIENTE LINK. WWW.PROA.ORG

Diosa Cihuateteotl.






05 enero 2012

ARTE y ARTESANÍA. UN DEBATE PARA CERAMISTAS.PROF. GRACIELA OLIO. 2006

ARTE y ARTESANÍA. UN DEBATE PARA CERAMISTAS.PROF. GRACIELA OLIO. 2006

Tratando de indagar en una vieja cuestión, las diferencias entre arte y artesanía, he intentado de aproximarme al tema desde distintos autores con posturas diferentes. Considerando que en nuestra disciplina esta problemática nos atañe directamente, ya que desde los comienzos de la cerámica el hombre la planteó de estos dos modos, desde lo utilitario y desde lo ceremonial o ritual, creo que esta instancia de discusión se debe dar en el seno de nuestra disciplina.,abordando posturas tradicionales o superadoras de tal dicotomía y por lo tanto tratando de repensar así la Cerámica y sus producciones actuales.

Consultando diversos autores que hablan del tema como María Alba Bovisio, Néstor García Canclini, Octavio Paz, Juan Carlos Santos y Jorge Fernandez Chiti, me permito hacer un acercamiento a la mencionada cuestión.

En primer lugar, trataré de mostrar cómo estos autores definen el “arte” y la “artesanía”: Octavio Paz, escribe sobre la “artesanía” en su ensayo de 1973 “La Artesanía: entre el Uso y la Contemplación”:

“Vasija de barro cocido: no la pongas en la vitrina de los objetos raros. Haría un mal papel. Su belleza está aliada al líquido que contiene y a la sed que apaga. Su belleza es corporal: la veo, la toco, la huelo, la oigo. ….No es un objeto para contemplar, sino para dar a beber…….Su belleza es inseparable de su función: son hermosos porque son útiles…..La artesanía es una mediación: sus formas no están regidas por la economía de la función sino por el placer, que siempre es un gasto y no tiene reglas. El objeto industrial no tolera lo superfluo: la artesanía se complace en los adornos. Su predilección por la decoración es una trasgresión de la utilidad…..La persistencia y la proliferación del adorno en la artesanía revelan una zona intermediaria entre la utilidad y la contemplación estética………Las cosas son placenteras porque son útiles y hermosas. La conjunción copulativa (y) define a la artesanía como la conjunción disyuntiva define al arte y a la técnica: utilidad o belleza…………Hecho con las manos, el objeto artesanal guarda impresas, real o metafóricamente, las huellas digitales del que lo hizo. Esas huellas no son la firma del artista, no son un nombre, tampoco son una marca. Son más bien una señal: la cicatriz casi borrada que conmemora la fraternidad original de los hombres. Hecho por las manos, el objeto artesanal está hecho para las manos: no sólo lo podemos ver sino que lo podemos palpar. A la obra de arte la vemos pero no la tocamos……..Nuestra relación con el objeto industrial es funcional; con la obra de arte, semireligiosa; con la artesanía, corporal. En verdad no es una relación, sino un contacto……..La artesanía es un signo que expresa a la sociedad no como trabajo (técnica) ni como símbolo (arte, religión), sino como vida física compartida…………..La historia de la artesanía no es una sucesión de invenciones ni de obras únicas (o supuestamente únicas). En realidad, la artesanía no tiene historia, si a la historia como una serie ininterrumpida de cambios. Entre su pasado y su presente no hay ruptura sino continuidad. Tradicional pero no histórico, atado al pasado pero libre de fechas……El artesano no quiere vencer al tiempo sino unirse a su fluir………Frente al diseño, el objeto artesanal es anónimo pero no impersonal………El artesano no se define ni por su nacionalidad ni por su religión. No es leal a una idea ni a una imagen sino a una práctica: su oficio. El taller es un microcosmos social regido por leyes propias……….Todavía hace unos pocos años la opinión general era que las artesanías estaban condenadas a desaparecer, desplazadas por la industria. Hoy ocurre precisamente lo contrario…La vuelta a la artesanía en los Estados Unidos y en Europa Occidental es uno de los síntomas del gran cambio de la sensibilidad contemporánea…………..Entre el tiempo sin tiempo del museo y el tiempo acelerado de la técnica, la artesanía es el latido del tiempo humano……..es un objeto que dura, pero que se acaba……….la artesanía nos enseña a morir y así nos enseña a vivir.” (O. Paz. 1973:7 a 11).

En su comparación entre la artesanía y el arte, Octavio Paz, escribe:

“La religión del arte nació, como la religión de la política, de las ruinas del Cristianismo. El arte heredó de la antigua religión el poder de consagrar a las cosas e infundirles una suerte de eternidad: los museos son nuestros templos y los objetos que se exhiben en ellos están más allá de la historia………esos cuadros y esas esculturas son,.....ideas puras. ……………Antes de la revolución estética el valor de las obras de arte estaba referido a otro valor. Ese valor era el nexo entre belleza y sentido: los objetos de arte eran cosas que eran formas sensibles que eran signos. El sentido de una obra era plural pero todos sus sentidos estaban referidos a un significante último…………la divinidad. Transposición moderna: para nosotros el objeto místico es una realidad autónoma y autosuficiente y su sentido último no está más allá de la obra sino en ella misma……….El más radical fue Duchamp: la obra pasa por los sentidos pero no se detiene en ellos. La obra no es una cosa: es un abanico de signos que al abrirse y cerrarse nos deja ver y nos oculta, alternativamente, su significado. La obra de arte es una señal de inteligencia que se intercambian el sentido y el sin-sentido…” (O. Paz. 1973)

Por otaro lado Jorge Fernandez Chiti, define la “artesanía”, en éstos términos:

“Actividad productiva y creativa de carácter plástico manual e inspiración tradicional; de concepción, confección y planificación seriada; que se materializa en objetos, obras o piezas que responden a una necesidad funcional o de uso cotidiano, decorativo, mágico, religioso, etc.; con un ingrediente estético o decorativo necesariamente presente; facturada en un taller doméstico o profesional reducido, sin procesos tercerizados; mediante técnicas manuales y no manuales pero nobles, genuinas y de control personal por parte del artesano; cuya producción es restringida y destinada a un mercado reducido, de ferias, o comercial pero conocido por el artesano.” (F. Chiti 2003: 25)

Y el “arte”, en estos otros: “Artístico es todo aquello donde hay pensamiento…” Esto es: en toda obra de arte auténtico, siempre sobresale un momento cognoscitivo, o ideativo; una expresión de sentimientos, de ideas, conceptos, y todo aquello que hace a la transmisibilidad, cognoscibilidad, comunicabilidad. Esa es la clave del arte, su esencia, su intención. Y precisamente eso lo diferencia de la obra artesanal, cuyo propósito u objetivo es satisfacer una “función”, cumplir un servicio, ser útil. […] No se trata de rangos o niveles, sino de diferentes tipicidades no comparables entre sí.” (op. cit: 39)

María Alba Bovisio, Historiadora del Arte, Investigadora de la UBA, si bien dice:

“No voy a detenerme en la definición de cada uno de estos términos per se, prefiero indagar la tensión entre las definiciones generadas desde los espacios de difusión y distribución y las contaminaciones, contactos, identificaciones y exclusiones recíprocas que se verifican en el ámbito de la producción.” (Bovisio 2002: 19)

Más adelante escribe:

“En Latinoamérica la categoría de “arte” correspondería a la producción occidental que se importa de Europa durante la colonización y que luego adquiere desarrollos regionales fundamentalmente vinculados a las políticas culturales de los sectores hegemónicos. Serán éstos los responsables de la fundación de las versiones locales de las academias europeas (donde se forman los artistas nacionales), de los museos, salones y colecciones que legitimen un paradigma basado, precisamente, en los cánones académicos. La producción plástica indígena, campesina, etc. quedará del lado de “lo artesanal”, de “lo popular”, es decir, de lo subalterno.” ( op. cit: 23)

[…]..”Otro aspecto que me interesaba considerar es que a ambos tipos de producción plástica se le reconocen “valores estéticos” pero el de las “obras de arte” es superior pues encarna valores puros, en tanto que las “artesanías” están siempre atravesadas por su funcionalidad.” (op. cit: 24)

En tanto Néstor García Canclini, renombrado teórico mexicano, sostiene:

“Las oposiciones entre lo culto y lo popular, entre lo moderno y lo tradicional, se condensan en la distinción establecida por la estética moderna entre arte y artesanías. Al concebirse el arte como un movimiento simbólico desinteresado, un conjunto de bienes “espirituales” en los que la forma predomina sobre la función y lo bello sobre lo útil, las artesanías aparecen como lo otro, el reino de los objetos que nunca podrían despegar de su sentido práctico […]El arte correspondería a los intereses y gustos de la burguesía y de sectores cultivados de la pequeña burguesía […].Las artesanías, en cambio, se ven como productos de indios y campesinos, de acuerdo con su rusticidad, los mitos que habitan su decoración, los sectores populares que tradicionalmente las hacen y las usan.” (García Canclini 1989: 224,225)

Por otro lado, refiriéndose al concepto de “artesanía”, Juan Carlos Santos, quien viene del área del Diseño, dice:

“Generalmente, el concepto de Artesanía está asociado con:

  • · una forma de trabajo individual, manual e informal
  • · una forma de expresión personal vinculada al folclore regional, sometido a un intenso proceso de descaracterización y pérdida de calidad (el souvenir).” (Santos 1999: 2)

Considerando esta suerte de definiciones que sostienen los autores antes citados, lo más interesante, de algunos de ellos, es ver cómo sustentan posturas superadoras de la dicotomía, arte-artesanía, que pareciera tan arraigada y consolidada en occidente.

Analicemos la propuesta de García Canclini:

“Se demostró que en las cerámicas, los tejidos y retablos populares se puede encontrar tanta creatividad formal, generación de significados originales y ocasional autonomía respecto de las funciones prácticas como en el arte culto. Este reconocimiento ha dado entrada a ciertos artesanos y artistas populares en museos y galerías. Pero las dificultades para redefinir lo específico del arte y de las artesanías, e interpretar a cada uno de sus vínculos con el otro, no se arreglan con aperturas de buena voluntad a lo que opina el vecino. La vía para salir del estancamiento en que se encuentra esta cuestión es un nuevo tipo de investigación que reconceptualice los cambios globales del mercado simbólico tomando en cuenta no sólo el desarrollo intrínseco de lo popular y lo culto, sino sus cruces y convergencias. Al estar incluidos lo artístico y lo artesanal en procesos masivos de circulación de los mensajes, sus fuentes de aprovechamiento de imágenes y formas, sus canales de difusión y sus públicos suelen coincidir. (G. Canclini 1989: 226, 227)

Por otro lado María Alba Bovisio, considerando la propuesta de García Canclini, propone:

“El pastiche posmoderno, los mestizajes entre lo culto y lo popular: ¿han logrado redefinir aquellas categorías? ¿Qué permanece “arcaico” y por qué?

El concepto de “campo” tomado de Bourdieu me servirá para analizar la definición del par “arte/artesanía” como una construcción cultural emanada de prácticas concretas que ponen en circulación realidades materiales e inmateriales. […] Tomo como puntos de partida de mis indagaciones éstas hipótesis de trabajo:

1. Pese a los procesos de hibridación cultural y globalización económica existen dos campos con agentes de producción, distribución y consumo claramente diferenciados: el de las “artes plásticas” y el de las “artesanías”.

2. Los préstamos y contaminaciones se dan fundamentalmente en los productos y no en los productores, que por su ubicación en los campos específicos se definen como “artistas” o como “artesanos.”.

3. Podemos aunar en la categoría de “objetos estéticos construidos” a todo tipo de “arte” cuya significación se funda en la “obra” como objeto hecho de un modo específico, interviniendo con una técnica precisa, objeto que trasunta la mano y el alma del hacedor. (Bovisio 2002: 19,20)

Para demostrar su hipótesis de trabajo la autora analiza a varios autores que sostienen

posturas de oposición expresadas entre los años '70 hasta los '90. Además de acusar de guardianes de tal dicotomía a los sectores de poder, especialmente desde el Estado, como agentes de distribución, y de legitimación.

A modo de conclusión, Bovisio, plantea:

“Sin negar la existencia socialmente real de dos campos de producción diferenciados-por acción de sus agentes de distribución y por la ubicación de los productores en los circuitos de circulación generados por esos distribuidores- propongo pensar a la “impronta de la mano”, gestual o constructiva, como una dimensión a partir de la cual podemos definir cierto tipo de producción plástica que bien puede pertenecer a uno u otro campo. […] En este sentido creo que existe una verdadera diferencia entre “obras” surgidas del “hacer” o del “proyectar”. (op.cit : 59,60)

Haciendo referencia a mediados de los años 1960, cuando se pasa a materializar ideas, se deja de lado el hacer, y solo se proyecta, así el “arte conceptual”, valoriza el proyecto y no el objeto. Hasta ahí, las vanguardias habían “construido” los objetos.

“En el sistema de las “obras de arte” que se definen a sí mismas como “objetos entre objetos”, y que pueden incluir, a la vez, objetos en su configuración plástica, la diferencia está en el rol del artista en el proceso de su elaboración, ya sea como “constructor” ya sea como “diseñador”. En el primer caso, la obra se define en el quehacer directo del artista sobre la materia, en el segundo en el proyecto, la idea que pertenece al artista mas allá de quien realice la obra.

La “artesanía” pertenecería a la categoría de “obras-objeto”, cuyo modo de ser es el resultado de la acción de un “artista-constructor” significando la materia, o dicho de otro modo, son aquellas “obras” que se constituyen en la relación sensitiva, sensible y específica entre “manos/mente”, herramientas, materiales y significados. Es por este modo de ser de la “artesanía” que, para que no deje de serlo, el hacedor no puede ser sustituido.

[…]El vacío provocado por el agotamiento de la vanguardia conceptualista –el arte devino en la ilustración de la discusión sobre su propia definición- sumado al creciente hermetismo del discurso artístico contemporáneo, renueva la discusión sobre “arte vs. artesanía”.

[…]A lo largo de este texto he intentado volver sobre la cuestión “arte v. artesanía” para reconstruir la visión antagónica, ficción sostenida por los agentes de distribución, a la vez que reconocer la existencia social e históricamente determinada de dos campos de producción plástica diferenciados, que interactúan, se cruzan y contaminan. Cierro mis reflexiones proponiendo pensar a las “artesanías” como “objetos estéticos construidos”, lo que permite abrir una nueva perspectiva de valoración y comprensión y encontrarles un lugar en una historia más antigua que la del nacimiento de la categoría “arte”, en la de la generación de significados a través de “obras”, cuya “belleza” habita en la “secreta relación entre hechura y sentido”. (op. cit.: 61, 62,63)

Por otro lado Jorge Fenández Chiti, no plantea tal dicotomía, sino que los muestra como dos planos bien diferenciados, considerando el arte como una necesidad de expresión y la artesanía como una necesidad de uso, y los diferencia como objetos utilitarios u objetos expresivos o comunicacionales. Sí hace un análisis exhaustivo de la artesanía, en cuanto a sus características, su origen, su marcada diferencia con lo industrial, su tipología, su clasificación, su desarrollo histórico y las etapas históricas de la artesanía nacional y su diferencia con el arte popular.

Es muy interesante el análisis de Juan Carlos Santos (España) sobre las Artesanía y el Mercado, proponiendo reorientar la actividad artesanal, en función de una evolución del mercado:

· En relación a una demanda de productos culturales con alto valor agregado y gran calidad.

· Por otro lado, también hay una demanda de productos de “apariencia artesanal” muy baratos que enfaticen la manualidad y el exotismo.

Considera de gran importancia las nuevas posibilidades de producción, tecnologías de gestión empresarial, organización de la producción, comercialización y promoción.

En ésta reorientación de la actividad artesanal, considera dos estrategias:

· Reposicionarse hacia los segmentos de mercado más cualificados, por medios más sofisticados.

· Consolidarse en los segmentos bajos del mercado, con estrategias de producto, producción y comercialización de masa.

Considera a la artesanía en confrontación con el producto de masa, y la diferencia por su dinámica y flexibilidad, su personalización y la califica como “producto-idea personal”, expresivo y experimental, en constante evolución. A si mismo analiza sus tipologías en relación a las expectativas del consumidor:

Artesanía artística (pieza única, discurso plástico, objeto artístico)

  • Artesanía conceptual (colecciones de productos que expresan un mensaje socio-cultural (ideas, actitudes), con el que se identifica el consumidor. Representan un estilo de vida).
  • Artesanía de masa (productos con apariencia manual y elementos exóticos que recuerdan culturas distantes y conceptos de formas de producción medievales, vinculados a una cultura local estereotipada, con elementos descaracterizados).

Para ir arribando a alguna conclusión quisiera incluir los siguientes párrafos de personalidades entendidas en el tema como Bernad Leach, ceramista inglés, Alicia Romero investigadora en Artes de la UBA, y Herbert Read, escritor y crítico británico:

Bernard Leach, […] “Sólo el artista y el artesano, dotados de sensibilidad y fuerza de carácter insólitos, son capaces de escoger lo mejor en el torbellino de ideas que actualmente les invaden. En cuanto el artesano se individualiza y se aleja de su tradición, se sitúa en posición pareja a la del artista […] Pero lo que importa es saber cómo, en nuestro tiempo disgregador, el ceramista independiente llegará a descubrir su propia verdad; en otras palabras, su propia identidad, y, además por qué medios lo transmitirá a otros artistas ceramistas de tal modo que pueda producirse un noble trabajo humanista, verdaderamente meritorio, en especial para uso doméstico” (B. Leach 1976: 37)

Alicia Romero, […] “Hace ya muchas décadas que en el plano mundial se trabaja desde los intersticios, minando viejas clasificatorias. Desde identidades que se han conformado por diferencias reales, en la producción, en la distribución y en el consumo, artistas, artesanos y diseñadores exploran los intersticios, cruzan sus umbrales, se contaminan, se entregan a la interdisciplina, se abren a otros dominios. El ceramista lo ha hecho desde siempre.” (A. Romero 2001: 4)

Herbert Read, (…) “La alfarería es al mismo tiempo la más simple y la más complicada de todas las artes. Es la más simple porque es la más elemental; es la más complicada porque es la más abstracta. Históricamente es de las primeras artes.(…) Júzguese el arte de un país, júzguese la fineza de su sensibilidad a través de su alfarería; éste es un criterio confiable. La alfarería es arte puro, es arte liberado de cualquier intención imitativa……….es arte plástico en su esencia más abstracta.” (H. Read.1995: 66)

El debate está planteado, es un tema que une lo tradicional y lo contemporáneo estando siempre presente en nuestro quehacer, explícita o implícitamente. No es mi intención llegar a conclusiones certeras. Los enfoques son muy y variados, cada uno de nosotros hará sus reflexiones y planteará sus posturas al respecto.

En lo personal, como hacedora ceramista, me interesa el planteo superador de la antinomia arte-artesanía, y ubicándome cómodamente en el lugar del “intersticio”, en el espacio que media entre las dos categorías, de esa zona de unión que propone un discurso integrador, me permito autodefinirme como “artista-artesana”. Me identifico con el planteo de Walter Gropuis, en el manifiesto de la Bauhaus: No hay diferencia esencial entre artista y artesano. El artista no es más que un artesano inspirado. Pero todo artista debe necesariamente poseer competencia técnica….

BIBLIOGRAFIA

García Canclini, Néstor. 1989. Culturas híbridas – estrategias para entrar y salir de la modernidad. Ed. Grijalbo. México.

Paz, Octavio. 1987. Compilación de Paz, Octavio. Los privilegios de la Vista. “El uso y la contemplación”. Arte de México. Fondo de Cultura Económica. Buenos Aires. 1987.

Bovisio, María Alba. 2002. Algo más sobre una vieja cuestión: “Arte ¿vs? Artesanías”. FIAAR, Fundación para la investigación del Arte Argentino. Argentina.

Fernández Chiti, Jorge. 2003. Artesanía, folklore y arte popular. Ed. Condorhuasi. Argentina.

Santos Capa, Juan Carlos. 1999. Artesanía y mercado –una aproximación al marketing aplicado a la artesanía. Copyright 1999. E-mail: jk@activa.es . España.

Romero, Alicia. 2001. Los objetos cerámicos. Catálogo del XLIII Salón Anual Internacional de Arte Cerámico. CAAC. Museo Eduardo Sívori. Argentina.

Leach, Bernard. 1976. Manual del ceramista. Ed. Blume. Barcelona.

Read, Herbert. 1995. “Cerámica: Arte sin Contenido”. Artes de Mexico. Artes de México y del mundo. Nº 3. La Talavera de Puebla. 2º Edición.

este texto como se menciona en lineas anteriores fue escrito por la Sra. GRACIELA Olio.